También Los Cinerastas Empezaron Pequeños

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Skaters Bajo El Agua

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Categorías: Cartel Fílmico

Gus Van Sant - Crimen Oculto (Paranoid Park, 2007)

¿Skaters bajo el agua? Se trata de una de las impresiones que deja Gus Van Sant en Crimen oculto (Paranoid park, 2007). Su capacidad para mirar con otros ojos los tiempos muertos, para reconstruir acciones tan cotidianas como caminar o montar skate de manera que luzcan como algo nuevo, distinto, en el mejor de los casos nunca visto, y con recursos mínimos, que se limitan a una canción o a un encuadre más amplio o más cerrado de lo usual, es su marca registrada.

Porque los chicos en la rampa también parecen peces en un acuario, porque Gus Van Sant realmente sabe mirar. Como en Gerry, donde el argumento no va más allá de dos jóvenes que se pierden en el desierto, aunque todo resulta sorprendentemente otra cosa, no queda claro cuál; el espectador no puede dejar de contemplar un desierto donde no hay nada, que es puro vacío, pero nunca se pregunta por qué.

En Crimen oculto, esa suerte de enrarecimiento de la atmósfera irrumpe incluso en el orden del relato. La organización se resquebraja. No se invierte, ni se fragmenta, sino se pliega sobre sí misma: las escenas se repiten, aparentemente sin rumbo, no hay ni comienzo ni final, sólo historia.

Porque lo que vemos no es más que la desordenada cabeza de Alex (Gave Nevins), el protagonista, que trata de consignar su experiencia en un cuaderno lo mejor que puede. O sea, reacomodándose, retomando temas, dejando cabos sueltos, y el espectador asiste al relato como un detective, armando y rearmando un film que al mismo tiempo revela y escamotea información.

Según indica la mala traducción del título, hay un crimen de por medio, sólo que no queda tan oculto. Si bien un policía se halla a cargo de la investigación, el suspenso no importa. El ritmo, por el contrario, resulta tan laxo que anula cualquier atisbo de intriga, lo que significa uno de los mayores aciertos. Obliga a contemplar, sencillamente no se puede dejar de mirar. Como en Gerry, la plasticidad de las imágenes resulta absorbente. Éstas llaman la atención pero forman parte del relato. Los tiempos muertos funcionan tan bien, justamente, porque implican el placer de mirar.

Es como si trama e imágenes se volvieran una sola cosa, con el objetivo de crear atmósferas, pues finalmente Crimen oculto se torna eso, una sensación que obliga a contemplar. No importa la pesquisa, sino el remordimiento de conciencia de Alex, su vuelta una y otra vez al mismo asunto, a Paranoid park, a ese día, a esa noche, y en tal vaivén el personaje termina por definirse: alguien lánguido como la cadencia de la película, pero también tan perturbado que retorna y revisa obsesivamente unos momentos que lo han marcado.

De ahí que las formas adoptadas por Gus Van Sant se antojen idóneas, pues si bien rompen con el tratamiento convencional, lo hacen para encontrar sus propias reglas, que justamente el protagonista impone.

El propio director define el film “como Crimen y castigo, pero con skaters”. Al igual que en el libro de Dostoievski, el motor de la narración es la culpa. Ésta provoca que se superpongan escenas, pues el protagonista necesita regresar sobre los mismos tópicos. Entonces decide escribirlo todo. De casualidad, mató a alguien y no sabe cómo afrontarlo. Lo que aparece en pantalla es su relato, su perspectiva de los hechos tratada de organizar en un cuaderno.

Sin embargo, no hay un momento preciso en que empiece a escribir, sino que desde el inicio aparece escribiendo. Como la película adopta la perspectiva de la mente de Alex, no hay inicios ni finales, las cosas ocurren en simultáneo. El orden cronológico desaparece, el tiempo es el tiempo de Alex, el de su remordimiento de conciencia. De esta manera el centro desaparece, la linealidad se esfuma. El espacio se torna expresivo, se transforma en un personaje más, uno con nombre propio: Paranoid Park no es el lugar en torno al cual los skaters se juntan, sino una presencia a la que los agrupa, hasta el punto da darle nombre a la historia que Alex intenta contar.

En este sentido, no parece extraño que el estado de ánimo del protagonista incluso signe la mayoría de las escenas. Pese a que la película no se encuentra filmada en un largo plano sujetivo, a veces genera dicha impresión. El espectador conoce el entorno desde los ojos de Alex.

No desde su ángulo de visión, sino a través de sus emociones. Y en ese lugar, el desorden, la falta de rumbo y la repetición devienen necesarias. Al mismo tiempo que se narra, se delinea un personaje. En la medida en que lo externo refleja estados de ánimo del protagonista, también se está hablando de éste. En tal vaivén entre subjetividad y objetividad, entre una psquis particular y un mundo externo, Crimen oculto va avanzando, contando la historia de un lugar y de una persona al mismo tiempo.

Por tal razón, los personajes de Gus Van Sant casi no hablan, porque el espacio lo hace por ellos. Éste termina de llenar los vacíos, en la medida en que refleja lo que sus parcos protagonistas callan. Y si los personajes se reducen a uno, o a uno que acapara a los demás, el ambiente en general se ceñirá a su perspectiva. Alex nunca dice ni expresa nada, no demasiado, en todo caso, pero los lugares que recorre, los matices del color, el ralentí, se parecen a sus pensamientos. Toda la película está en su cabeza, es su mirada. No hay muchos planos subjetivos, pero el espectador ve el mundo con sus ojos.Y las cosas de todos los días se pueden tornar diferentes.

En ese trance, cuando lo exterior se vuelve una proyección de la interioridad de los personajes, las atmósferas se enrarecen. Nada es lo que parece. Los skaters pueden estar en un acuario patinando bajo el agua.

Por Eugenio Vidal

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Todo Queda en Familia

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Categorías: Cartel Fílmico

Sidney Lumet - Relaciones Peligrosas (Before The Devil Knows You Are Dead, 2007)

El dinero transforma a la gente. Por su carencia, llegamos hasta a matar. O también robar, como en el caso de Relaciones peligrosas (Before the devil knows you’re dead, 2007), la más reciente película del veterano Sidney Lumet. El problema consiste en que un robo, con un poco de mala suerte, puede provocar un asesinato.

El argumento es la siguiente: los hermanos Andy y Hank Hanson (Phillip Seymour Hoffman e Ethan Hawke, respectivamente) necesitan dinero por distintas razones. A Andy, el mayor, se le ocurre asaltar el negocio de los padres, una joyería. El plan consiste en entrar, tomar las alhajas e irse. Conocen el lugar, saben la rutina, nada más sencillo. El seguro cubrirá las pérdidas, nadie saldrá herido. Un trabajo simple, sin ningún perjudicado.

Sin embargo, algo resulta mal, y ahí empieza la película. El relato emprende un viaje al pasado, a los días que precedieron al atraco, desde las múltiples perspectivas de los implicados en los hechos. Entonces, lo que parecía un thriller se transforma en un drama de familia.

Porque justo da la casualidad que quien atendía la joyería ese día no era la dependienta de siempre, sino Nanette Hanson, la madre. Porque Hank se acobarda a la hora de robar la tienda y decide reclutar a un matón conocido suyo, que no duda en disparar a la anciana cuando se ve amenazado.

De la reconstrucción de los momentos previos al crimen se pasa a la descripción de las tortuosas relaciones familiares. Resentimientos, remordimientos, infidelidades, adicciones emergen poco a poco a la superficie. Nunca importó descubrir a un asesino, eso queda claro, pero tampoco interesa demasiado hallar las causas inmediatas del homicidio.

Después de todo, nadie mataría a su madre. El propósito de fondo de Lumet reside en mostrar cómo aquel acontecimiento, aquella situación extrema, resquebraja a las personas. Su intención radica en explotar al máximo la desesperación de sus personajes.

De esta manera, gran parte de la responsabilidad del film recae en los actores. La relación de los hermanos termina por convertirse en el tema principal. Mientras que, por un lado, Andy es egoísta y sólo en apariencia frío y calculador, Hank resulta pusilánime y dependiente de su hermano mayor. Pero ambos coinciden en su incapacidad para manejar la situación: Andy se descontrola y se deja arrastrar por un alud de violencia, y Hank se auto-anula, simplemente no hace nada. Poco a poco, ambos caen a su manera en el abismo de la desesperación.

Si bien los aciertos de Relaciones peligrosas parten del empleo funcional de un artificio narrativo, pues de no haberse contado la historia a la inversa, nunca se hubiera logrado la sensación de thriller y drama al mismo tiempo, o de thriller que se transforma en drama, no debe dejarse de lado la multiplicidad de perspectivas con que la historia se cuenta. Porque este recurso permite profundizar en las psiquis de los personajes. Saber que cada cual tiene sus propios problemas y que se presentan en simultáneo los independiza, les aporta una cierta individualidad.

Una individualidad coral, no obstante, pues todos se encuentran fuertemente ligados, se despliegan bajo la mirada del otro. El thriller se torna drama familiar precisamente porque la investigación se restringe a esos límites. La atmósfera, la tensión, el suspenso propios del primer género se mantienen, sólo que dentro del terreno de las relaciones familiares, lo que da como resultado el segundo género. Por ejemplo, el padre quiere vengar el asesinato de su mujer, pero los homicidas son sus propios hijos. Un espacio cerrado.

En Relaciones peligrosas dos géneros se funden. Por eso produce impresiones contrapuestas, en las que reside justamente su mayor atractivo. Todo queda en familia. Incluso el crimen. Su director cuenta la historia de atrás para adelante, desde distintas perspectivas.

Sin embargo, no se trata de desorden, sino de la manera requerida para mostrar también ese correlato, el personal, en el que vive cada uno de sus personajes, recurso que finalmente lleva a que el film trascienda el thriller, que explore otros aspectos de las relaciones humanas que el suspenso deja de lado.

Con el único mecanismo de narrar de otra manera, pues los caminos tangenciales, sea atajos o rodeos —o como en este caso, la emprendan en retroceso—, presentan la propiedad de mostrar eso que no se ve, de develar lo que sea que sorprenda, de mostrar el lado humano del misterio.

Un Sidney Lumet que se extrañaba, y que ya tiene 84 años, gran parte de los cuales ha dedicado al cine. Por cierto, nadie habla de vejez, sino de experiencia. Relaciones peligrosas lo demuestra. La presencia de una mano firme, que manipula y trastoca géneros, pues ha crecido con ellos, se siente a lo largo de los 117 minutos de proyección. En muchos aspectos, su último trabajo funciona como una lección de cine. Únicamente queda observar atentamente, y aprender. Porque más sabe el diablo por viejo que por diablo.

Por Eugenio Vidal

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Una Guerra de Película

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Ben Stiller - Una Guerra de Película (Tropic Thunder, 2008)

La carrera de Ben Stiller como actor es de lo más interesante: quizá uno de los comediantes más importantes de Hollywood, ha sabido crearse un equilibrio entre películas no siempre muy logradas (las dos películas de Los padres de mi novia) con proyectos mucho más propios, trabajando a gusto con sus otros amigos (Mi novia Polly, Dodgeball). Salidos de las canteras de Saturday Night Live, Stiller también se ha dado tiempo para trabajar con algunos directores más serios, como Neil LaBute (Tus amigos y vecinos) o Wes Anderson (Los excéntricos Tenembaum).

La película anterior de Stiller como director, Zoolander, era una película que miraba el mundo del modelaje masculino de forma irreverente, burlándose de cada uno de los tics y de las convenciones más reconocidas en ese mundo. Zoolander mostraba a un director inteligente, que sabía mirar muy bien el mundo en el que se metía, aprovechando cada situación o cada estereotipo al máximo.

Ahora Stiller vuelve tras las cámaras con Una guerra de película, una película que observa a Hollywood, a sus formas de producción, a los tics de sus actores, pero todo llevado a una décima potencia, llevado al límite y a la exageración. La cinta nos presenta la historia de cuatro actores, muy distintos entre sí (un héroe de acción, un rapero, un cómico y un actor serio), reunidos en al producción de una película de guerra. Todo esto controlado bajo las órdenes de un productor desquiciado, al que sólo le importa ganar dinero. Poco a poco, los actores se darán cuenta que la producción se les ha salido de las manos y que no están filmando, sino por el contrario, luchando en una guerra real de la cual tendrán que salir bien librados.

Para comenzar, Stiller es un tipo inteligente que sabe muy bien donde mirar. Es así que crea personajes que representan varias vertientes del Hollywood actual: el actor de acción venido a menos, el cómico que quiere cambiar, el rapero que quiere que se lo tomen en serio y el actor artie, que maneja todos los tics del actor´s studio.

A partir de estos personajes, Stiller crea un concepto de Hollywood, una mirada hacia lo que es el Hollywood de hoy día, y se burla de eso: no sólo exagera los tics del actor artie (genial Robert Downey Jr), sino que convierte al rapero en gay, al cómico en un heroinómano absoluto y al actor de acción en alguien que, de pronto, comienza a hacer papeles de retrasado mental.

Stiller, sin embargo, no crea personajes de cartón: les da motivaciones, razones, lógicas: sus personajes se burlan del estereotipo sin caer en él, lo que le permite a la película que el humor resulte más efectivo. Lo mismo se puede decir del personaje del productor, muy bien interpretado por Tom Cruise: Stiller, a partir del estereotipo, crea un personaje exagerado, pero que tiene peso justamente porque sus exageraciones resultan lógicas y creíbles.

De la misma manera, la película tiene una mirada muy clara sobre los métodos de producción que se maquinan últimamente en las cintas de Hollywood. La noción del reality show o reality movie es la manera que encuentra Stiller para meter a sus personajes en las situaciones más complicadas. A partir de la idea del reality, Stiller construye su película, complicando la historia, transformándola en una aventura cómica que va cobrando tonos cada vez más delirantes.

La puesta en escena sabe cuando descansar y cuando acelerarse: el humor verbal (como la escena de la fogata, con Jack Black colgado) es muy importante como también lo es el humor físico, sobre todo expresado en la parte final). Stiller sabe en que momentos descansar y en que momentos acelerar, sabe cuando dejar que sus personajes muestren sus tics y cuando hacerlos pelear. El director entiende que para que la acción retome con fuerza hay que hacerla reposar, y es así como va generando la comedia.

Una guerra de película derriba mitos: crea una visión de Hollywood en donde los actores son inconformes con sus carreras y buscan cambiarlas, donde los productores son seres insensibles sin la menor preocupación por sus estrellas, donde los héroes de Vietnam son simples individuos que mienten. Y todo esto mezclado en una comedia cuya base es la exageración con la intención de burlarse de las imágenes, de los mitos, de las historias que se cuentan. No es poco lo que ha hecho Ben Stiller.

Por Rodrigo Bedoya

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En Busca de un Lugar Mejor

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Andrés Cotler - Pasajeros (2008)

‘Pasajeros’ es el nombre de la ópera prima del cineasta y crítico de cine Andrés Cotler. El argumento, que construye de modo irregular un drama social, gira en torno a Jano (Pietro Sibille), un hombre que acaba de cumplir su condena de 5 años por entregarse para salvar a sus amigos de un robo y regresa a la vida ‘cotidiana’ junto a Martin (Marcello Rivera) para convencerlo de cumplir, de una vez por todas, su sueño de infancia: Emigrar a los Estados Unidos y así buscar un mejor estilo de vida.

En su trayecto, los amigos se cruzarán con Pedro (Eduardo Cesti), un pintor acabado que pasa sus días añorando aquellos tiempos en que fue reconocido, y Estela (Monica Sanchez), una joven e impávida prostituta. Ya que menciono a los personajes, uno de los problemas más resaltantes de la película radica en el carácter sumamente plano y funcional de su protagonista. Sibille se nos muestra muy agudo y penetrante pero, en consecuencia, construye un personaje zafio y muy mecanizado, sus reacciones impetuosas y miradas desorbitadas remiten, casi necesariamente, a una exagerada versión de Santiago Román.

Mónica Sanchez, por su parte, no se acerca a lo que debiera representar una prostituta en un ambiente urbano marginal. Su caracterización resulta inexpresiva y con muy poco peso en su aporte a la historia. Quienes generan un contraste en el plano actoral son Rivera, quien está correcto en su caracterización del taxista dudoso con cierta afición por la escritura y Cesti, que, siendo el personaje más interesante de la película, no logra, lamentablemente, tener la relevancia que pudo asumir. Su condición, al borde de la autodestrucción, logra imponerse a algunas falencias rudimentarias del guión. Sin embargo, uno de los puntos más débiles de la película radica en su vinculación con tan sutil prostituta.

Podría decirse que Pedro aparece como un elemento que le brinda cierta frescura al desarrollo estructural de las acciones. Antes de su aparición, observamos consecutivos, aunque cada vez más osados, intentos de obtener dinero fácil por parte de Jano. Martín, quien se siente en deuda con su amigo, asume las decisiones de Jano y cede ante la duda.

Cuando la extensión de los intentos criminales parece agotarse, Pedro empieza a tomar una gran importancia para Martín, como si fuera una vía de escape al frenesí de Jano. Martín, no obstante, manifiesta en principio una gratuita solidaridad con el viejo pintor, pareciera, entonces, que la única labor de Estela, quien vive con el pintor, es la de un ‘enganche’, debido a que suscita una atracción que se haría expresa más adelante.

De esta manera, la separación en las cosmovisiones de Jano y Martín empieza a tomar importancia construyendo una dicotomía en torno al futuro. Jano quiere irse como sea, - “aquí estaremos jodidos siempre”. – Afirma. Mientras que Martín, cansado de los riesgos que asumió, decide ir por su propio lado y separarse de Jano, quien seguirá firme en sus convicciones hasta que el mundo le dé la espalda.

El ambiente en el que Jano se desenvuelve supone un acierto interesante: Un tratamiento narrativo que nos muestra método a pesar de la diversidad de locaciones. En este, destacan secundarios como El wawa (Kike Ortiz) y El mudo (Paul Ramírez), quienes logran aportan muchísimo en la generación de ese contexto lumpen, como sacados de la Lima delincuencial más cruda.

En desmedro, los planos abiertos se encuentran casi ausentes. Los planos cerrados y aberrantes privilegian los interiores muy por encima de los exteriores, aunque más allá de la dirección artística, asistimos a una constante búsqueda de rostros, por momentos acertada aunque el recurso termina siendo desgastado.

Este deslucimiento termina por menoscabar algunas secuencias de acción que pudieron trabajarse prolijamente, por ejemplo podríamos mencionar la secuencia inicial del robo por parte de los amigos en el taller de mecánica o, más aun, en el secuestro perpetrado someramente por parte del mudo y sus secuaces.

La dirección de Fotografía, a cargo del veterano Pili Flores Guerra, se encuentra muy bien lograda. Los colores y texturas de los barrios de Breña resaltan aquella horrible realidad de la que Jano quiere escapar. (Cabe resaltar que se trata de la primera incursión de Pili en el formato HD). La música, por su parte, tiene el defecto de la irregularidad, sobre todo por la inserción de banda sonora cantada en momentos en los que aparece el diálogo. La música realiza un mecanismo empático en todo momento a excepción de la escena final en la que genera cierto contraste.

La circunscripción contextual de la película podría pasarse por alto pero habría que agregar que ‘Pasajeros’ no se funda como un aporte original para el cine peruano. En definitiva, podría ser una historia más coyuntural en los 90’s (por ahí buscando el pesimismo que logra componer una película como ‘Caídos del Cielo’ de Francisco Lombardi). Sin embargo, no resulta necesaria tal demarcación, ‘Pasajeros’ es una película más personalista que contextual. Hoy en día, en plena crisis económica de los Estados Unidos, podríamos hablar de una coacción pesimista en un contexto optimista, pero la realidad nos dice lo contrario. ‘Pasajeros’, finalmente, no logra desprenderse de un halo moralista en el que los ‘buenos’ no acaban como los ‘malos’, busca exponer el lado miserable de una Lima sin piedad, de una Lima que no admite la búsqueda de un lugar mejor…

Por Enrique Vidal

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Honor, Familia, Tradición … Y Venganza

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Phillip J. Atwell - Asesino Solitario (Rogue Assassin, 2007)

“Asesino Solitario” es un film de acción que tiene como elemento principal (como en muchas películas de este género) la venganza y el deseo de obtener justicia. Sin embargo, cabe destacar, que esta película contiene un guión muy especial que lo hace único y muy intenso hasta el final.

Esta película resalta tanto en los efectos como en las explosiones que hay en todas las películas de acción actualmente, no impresiona mucho porque se sabe lo que ocurrirá y el público se imagina un final desde el inicio de esta.

Sin embargo, el guión toma un drástico giro casi al final de la película, entregando una trama que desde el inicio no se pensaba. Esto genera un interés completo al film, aunque lo entreguen a los 10 minutos a punto de finalizar.

En el principio vemos al agente del FBI, Jack Crawford, que luego de perder a su mejor amigo y familia; decide vengarse luchando contra la mafia japonesa y china, conformadas por las familias Shiro y Chang respectivamente.

Por otro lado, un supuesto yakuza perteneciente a la familia Shiro; empieza a trabajar en ambos bandos de la mafia, haciendo que las dos pandillas se destruyan mutuamente. Jack pronostica que este personaje es el asesino de su mejor amigo por sus habilidades de asesino y por las operaciones que se realiza en el rostro para esconder su identidad.

El film presenta una gran serie de armamento y tecnologías para generar una gran guerra entre mafiosos asiáticos, aunque tampoco se queda atrás el combate mano a mano y las artes marciales (sería muy extraño que Jet Li no peleara).

Un toque más especial es el combate que hay con katanas y el estilo kendo que practica el líder de la familia Shiro, entregando esta arte marcial de Japón a este film de manera especial.El uso de idiomas, en especial el japonés, nos presenta un toque de realismo en el film en el cual, no necesariamente todos deben hablar un idioma universal (en este caso sería el inglés).

Se presencia un cambio radical en la psicología de los personajes, en especial la mente de Jack que sufre un ligero trastorno mental ante la pérdida de su amigo Tom y aumenta cada vez más al acercarse a su presa.

Como el título lo indica, El Asesino Solitario es un personaje que se transforma en un antihéroe que desea a cualquier costo conocer al culpable de la muerte de su familia. Sin embargo, la transformación física (como la operación del rostro) ayuda a este personaje cumplir su cometido sin tener ningún problema de identidad y presentando que no solamente el rostro es lo único que varía en este “traumado” ex-agente.

Las coreografías de combate son muy realistas y no hay muchos efectos en las batallas mano a mano, por lo que se siente la tensión en la lucha y persecuciones muy intensas, dejando a mas de una persona impresionada por las técnicas improvisadas que se pueden crear en el ambiente en donde luchen (tal es el caso de la batalla de Jet Li contra dos yakuzas en un escenario donde en medio se hallaba un gran espejo giratorio).

La música es de buena calidad y muchas veces no requiere por el hecho que la trama se deja llevar más por los diálogos y las acciones de los personajes, sin embargo, el sonido es muy preciso en la mayoría de veces para invitar al público a la mente del personaje y entender su psicología.

El filme rompe esquemas en cuanto a su guión y en los flashbacks donde aclaran exactamente lo que sucedió esa mañana en la casa de Tom y el inicio de una gran lucha por obtener la verdad la justicia y la venganza de cada personaje.

La amistad y la venganza son sensaciones que se convierten en armas muy poderosas y de doble filo a la vez. En este film las sensaciones de fidelidad y honor se juegan junto con el sueño de cada personaje y al final todo regresa en el punto inicial descubriendo realmente al verdadero culpable y enfrentándose al final con viejos fantasmas que deben ser eliminados por sí mismos.

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo

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El Amor de Familia

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James Wan - Sentenciado a Morir (Death Sentence, 2007)

“Sentenciado a morir” de James Wan genera en nosotros los sentimientos más profundos y ocultos acerca del dolor de perder a las personas más queridas de sí mismos, despertando el rencor y el odio llevando a desear la venganza que merecen tener. Sin embargo, ante esta venganza se generan otras adicionales de los seres queridos de la nueva víctima y así nace un ciclo interminable.

Este film, basado en la novela de Brian Garfield, al igual que El Vengador Anónimo, presenta nuevamente el tema de la venganza y la pérdida de seres queridos. En este caso, Sentenciado a Morir, apreciamos el amor ilimitado que tiene un hombre hacia su familia y la locura desenfrenada que posee al perder a uno de sus integrantes… su primogénito.

La historia comienza con una familia muy positiva y perfecta. El padre trabaja en una empresa grande y no le va nada mal en sus negocios y no tiene ningún problema, hasta que ocurrió el crimen.

Su primer hijo participó en un juego de hockey en el cual triunfaron y su padre lo recoge del gran juego. Durante el camino su hijo le habla de los planes que tiene a futuro: dedicarse al hockey profesional y estudiar fuera. En ese transcurso, el padre se da cuenta que la gasolina del auto se agotaba y se estacionaron en una gasolinera mientras su hijo entraba a la tienda a comprar algo para comer.

En ese mismo momento, dos autos de detienen y bajan una cierta cantidad de pandilleros; entrando a la tienda y exigiéndole a uno de los nuevos integrantes que matasen al joven inocente para cumplir con la prueba de iniciación a la banda. El nuevo integrante toma un machete y le corta la yugular al chico, dejándolo mal herido en la tienda mientras su padre lo llevaba a la clínica, donde falleció irremediablemente.

Desde ese punto se genera el giro en donde se aprecian los nuevos rostros de la familia, donde el hijo menor se sentía inferior que el mayor; considerándolo el hijo preferido de la familia. Una madre que no resalta en ninguna parte del film, simplemente está ahí porque es parte de la familia. Y un padre que se convierte en “el exterminador” de pandilleros por encontrar algo de tranquilidad en su mente retorcida y vengativa.

Se toma un tema muy importante que en muchos casos ocurren en la vida real. El suceso en el que el padre se desespera y busca la venganza al joven que asesinó a su hijo por prueba de iniciación a una pandilla, lo saca de quicio y trata de considerarlo inocente en el juzgado para luego hacer su “propia justicia” fuera de este.

Otro tema que hay que destacar es la discriminación que hay y el silencio que mantiene la policía cuando una persona de gran categoría realiza un crimen. Se aprecia la libertad que posee el padre, que trabaja en una empresa de alta importancia en el país, y en el periódico aparece la noticia de la muerte de su hijo. Sin embargo, la muerte misteriosa de el pandillero, no la consideran muy importante y, en especial, cuando el vengativo padre lo realizó.

La estética del film es muy positiva, tanto los colores y las tomas nos dan el ambiente necesario para poder sentir las sensaciones de los personajes, en especial las del padre. Los escenarios son muy marcados y bien armados.

Teniendo colores muy estridentes y una fuerte iluminación en el bar y en la tienda de armas, donde se alojaban normalmente los pandilleros, ese “mundo oscuro” que tenía colores más vivos que los del “mundo correcto”, que compartían más los grises y azules (como las oficinas y la ciudad en general)

El film presenta además una gran cantidad de escenas de acción y violencia, mucho más que el mismo Vengador Anónimo¸ acompañando de una numerosa cantidad de utilería y armas de fuego que usarán para eliminar a su enemigo respectivo.

Sentenciado a muerte es un buen film para un público que le gusta la acción y algo de suspenso, junto con un buen lenguaje visual y con actuaciones aceptables para este tipo de temas. Sin duda, un film que deja pensando hasta qué punto puede llegar un hombre para saciar su sed de venganza.

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo

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El Miedo a lo Conocido

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Masayuki Ochiai - Infección (Kansen, 2004)

La tercera película del director japonés Masayuki Ochiai, a decir de sus seguidores viene a ser una suerte de mezcla temática de sus dos trabajos anteriores (Parasite Eve – 1997 e Hypnosis – 1999); comparte los lugares comunes de la mayoría de producciones asiáticas del género de terror de los años recientes, a saber:

- Discreta fotografía y manejo de escena únicamente encaminados a la consecución de un ambiente macabro, opresivo, acorde a los hechos sobrenaturales que se pretenden narrar (efecto en muchos casos plenamente conseguido)

- Protagonistas que resultan casi siempre sobreactuados (aspecto que para quien escribe correspondería más a un particular estilo o escuela del cine asiático, que a defectos reales de dirección o interpretación)

- Un argumento plano y simple en extremo, casi prescindible.

El sentimiento buscado en la audiencia, a diferencia del desechable suspenso de molde hollywoodense, se suele conseguir con imágenes sugeridas más que explícitas. El enfoque en la expresión del protagonista es más importante que la visión de las heridas inflingidas o el rostro del asesino.

Argumento:

Una extraña dolencia, manifiesta en agentes invisibles que licúan los órganos de la víctima, ataca a los protagonistas de la historia, mientras éstos intentan encubrir las consecuencias de una mala praxis médica. La fuente de contagio aparenta ser un enfermo moribundo abandonado en un hospital falto de recursos y de personal competente.

La primera media hora del metraje describe en detalle el entorno y constituye el punto mejor logrado del film. Médicos y enfermeras se desplazan a través de pasillos de tenue iluminación, la desesperanza se hace patente tanto en el rostro de los pacientes como en el del personal insomne, no se ven por ninguna parte equipos o aparatos médicos modernos, y el panorama en general define al hospital como una institución al borde de la quiebra, insalubre y contaminante, gracias asimismo a una inteligente fotografía de tonos ocres y óxido, donde tiene un sitio preferencial el color verde.

Los personajes son profesionales fracasados, o cuando mucho resignados a laborar sin las mínimas condiciones para ello. Es así que cuando se suscita la muerte de un paciente por un error terapéutico durante una situación de estrés, es difícil culpar a los protagonistas, más cercanos a la condición de víctimas de un medio que los hace responsables de sus propias deficiencias.

Una vez presentada la trama, y salvo el desenlace del film, por completo inesperado, los sustos fáciles y la música efectista que precede a la muerte sistemática de los personajes nos hacen recordar cientos de producciones con idéntico esquema, la gran mayoría de ellas, con resultados poco afortunados, perjudicando el resultado final.

Es poco más que un cuento de miedo con los estereotipos del género en su procedencia, que a pesar de sus falencias, percibo de mucho mayor interés que su muy probable remake gringo, y que incluso, tal vez de manera no intencionada, funciona hasta a dos niveles:

Proyectada en un medio de regular desarrollo económico y social, es más dable que las carencias del hospital y de su personal resulten exageradas, caricaturescas, lo suficientemente alejadas de la realidad como para que el miedo se centre en el ente asesino, o dicho en otros términos, el virus que convierte a la gente en gelatina de limón sigue siendo más creíble que una enfermera que no sabe sacar una insignificante muestra de sangre.

En la otra cara de la moneda, aquellos que hemos crecido en países en desarrollo, muy en especial, aquellos que hemos tenido contacto con el precario sistema de salud al que están obligados a acudir los menos afortunados, encontraremos estas imágenes desgraciadamente familiares.

El abandono total de un servicio de salud por parte de un gobierno ineficaz, los enfermos con mínimos recursos puestos en manos del profesional aprendiz o mediocre; se nos antojan realidades apenas exageradas en la pantalla, y es precisamente éste el origen del miedo, más escalofriante que la misma infección por el agente mortal, que se nos antoja mucho más fantástico que el entorno.Y es que, ya sea encarnado en un germen letal, o en un estado indolente del bienestar de sus ciudadanos, la conclusión final es que el mal existe. Y da miedo.

Por Gonzalo Del Carpio Bellido

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Sempiterna

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John Erick Dowdle - Cuarentena (Quarantine, 2008)

Desde las últimas décadas, la hibridación de géneros produce cambios en la

perspectiva narrativa. Si bien en algunos casos han salido productos rescatables, la mayoría se tornan en los nuevos hijos de la Serie B, asilados en subgéneros cada vez más aclamados por los espectadores.

Cuarentena responde a varios estilos tanto narrativos como cinematográficos, pero principalmente se amolda al Falso Documental, en función del toque Gore con matices de cine de zombies.

Desde el Holocausto Caníbal de Ruggero Deodato, hasta la Opera Prima de Myrick y Sánchez El proyecto de las brujas de Blair, genera en el espectador la mórbida expectativa de saber qué es lo que sucederá, introduciéndolo cada vez más en la historia. Claro está, a sabiendas de un cruento desarrollo que en la mayoría de los casos, no quiere ver sólo la muerte, sino, cómo.

Todo ello es el producto del imaginario contemporáneo, inducido por el hiperrealismo, que como sostiene Deleuze lo que se plantea como el efecto de lo cotidiano en el discurso audiovisual, deja de serlo al instante en el que se registra bajo un soporte, ya sea digital o foto-químico.

Ahora bien, no todos los filmes tienen las mismas exigencias, no se le puede pedir que apele a todas las demandas intelectuales y pragmáticas. Cuarentena cumple una función, que es “entretener”; y en cierta medida lo lleva a cabo; sin embargo, no se debe olvidar que hay un guión de estructura clásica de tres actos detrás de esto, y es justamente ahí donde la película adolece de fuerza.

Aceptable hasta la mitad del filme, donde los giros argumentales y los movimientos de cámaras van en in crescendo a medida de la agonía del personaje. Sin embargo, la otra parte se torna sosa y reiterativa, ya que en vez de afrontar los nuevos puntos de inflexión –punto medio, segundo Plot point- , “salta obstáculos” cual Mario Bros.

Justamente es la impresión que deja, la de un video juego, en el que sólo importa pasar de nivel dejando atrás muchas veces actos que en su momento parecieron importantes, pero en realidad era una dificultad más que enfrentar.

Si bien para algunos puede afectar en términos de verosimilitud, es una de las pocas características que no es tan endeble. John Erick y Drew Dowdle logran recrear una atmósfera tensa y agobiante, que en algunos pasajes incorpora el desenfoque del lente de la cámara como los ojos obnubilados de los actores, que no pueden relatar lo que sucede.

De modo tal, que se apela al viejo ardid de entrar en los temores más profundos del hombre, que es el miedo a lo desconocido. Una vez que se devela el misterio de las muertes, la película se escuda en zombies ávidos de víctimas que no hacen más que retomar el juego del gato y el ratón, convirtiéndola en una carrera de atletismo. De modo que lo único que queda es huir, haciendo de la última parte un aciago intento de crear suspenso por sorpresa.

Tras la muerte de absolutamente todos, lo más resaltante parece estar en el Trailer que nos vende una cinta llena de aspectos interesantes. A pesar de ello, la linealidad narrativa es lo que genera en dicha cinta una mala adaptación de los manuales de Syd Field.

Hay muchos cabos que pudieron ser explotados a modo de dosificación de información y principalmente en intensidad narrativa, de modo tal que la fuerza antagónica tenga la suficiente oposición para solidificar una puesta en escena repetitiva en actores. Pareciera que Jay Hernández y compañía están destinados a ser los asiduos actores encasillados por el género y principalmente por directores como Eli Roth o Robert Rodríguez.

Por Elder Cuevas Calderón

Nov

Van Damme de los Bajos Fondos

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Categorías: Cartel Fílmico

Simon Fellows - Hasta La Muerte (Until Death, 2007)

Jean-Claude Van Damme fue uno de esos actores de películas de acción con el que todos crecimos en la década del ochenta: ahí están los recuerdos de infancia de filmes como León, Peleador sin Ley, Kickboxer, Bloodsport, hasta la horrenda Cyborg.

Sin embargo, la carrera del actor se vio afectada por excesos en su vida personal: consumo de drogas, entrevistas incoherentes, violencia doméstica, divorcios, incluso una bochornosa aparición en un programa brasilero donde Van Damme, digamos, se “emocionó” demasiado.

Asi, Jean-Claude fue relegado al mismo infierno donde han ido a parar otras estrellas de acción caídas en desgracia, como Wesley Snipes (actualmente preso por evasión de impuestos) y Steven Seagal (cada vez más gordo): el mercado del directo al video. Sin embargo, a diferencia de sus contemporaneos que se contentan con filmar películas de bajo presupuesto en Rumania o algún otro país europeo de bajo costo, Van Damme ha hecho un esfuerzo por mejorar como actor, de a pocos.

Esto se ve en filmes como Legionario, Replicant y Wake of Death, que también lo devolvió a la cartelera local con un sólido y oscuro ejercicio de acción. La racha continua ahora con Hasta la Muerte.

Van Damme interpreta a Anthony Stowe, un policía de la peor calaña: heroinómano, corrupto y aficionado a las prostitutas, es un tipo violento y odiado por todos los que lo rodean, incluidos su esposa y sus colegas. Un papel en clave Bad Lieutenant, para nada halagador y que los más maliciosos dirán es natural para un actor que ya ha tenido sus roces con drogas y la ley en el pasado.

Stowe es un verdadero desecho humano; Van Damme deja de lado su carisma para verse desaliñado, con ojeras, acabado y maltratando a todo el que se le cruza. La película vale mucho sólo por su primera mitad, dandonos la oportunidad de ver al otrora héroe de acción demacrado y sin ningún escrúpulo.

Hasta que Stowe recibe un balazo en la cabeza de su ex compañero convertido en criminal, Callahan (interpretado por un Stephen Rea que desgraciadamente tiene muy poco que hacer hasta los últimos minutos de cinta); desde ahí, empieza su viaje de redención, de ser una mejor persona, dejar los vicios y acercarse de nuevo a toda la gente a la que alejó. De una primera mitad oscura y cruda pasamos hacia un policial mucho más convencional, más cercano al Van Damme que ya conocemos, pero sin la pompa que caracterizaban sus vehículos de antaño.

El viaje de redención de Stowe es convincente principalmente porque el actor se encuentra a la altura de un personaje torturado y conflictivo; es una señal de madurez para Jean-Claude, y lo mismo pasa con las escenas de acción: ya no son las peleas de antes, llenas de piruetas y artes marciales. Acá son balaceras brutales que van directo al grano. El filme tiene violencia, pero no es su razón de ser, los momentos de acción son cortos y precisos.

Si bien la segunda parte de la película es mucho más convencional – pareciera que todos los personajes secundarios tienen secretos escondidos – eso no le quita su efectividad como un policial crudo, al que sólo le faltaba aprovechar más sus locaciones en Nueva Orleáns post-Huracán Katrina.

Es un filme con fallas, que también prefiere no arriesgar y seguir con la imagen de Van Damme como un despojo inmoral hasta sus últimas consecuencias; pero no se puede negar el esfuerzo del actor por desprenderse de sus típicos papeles de héroe y probar algo distinto.

Sólo por eso, Hasta la Muerte puede verse y si Van Damme logra seguir en la misma línea en futuros proyectos, podría incluso volver al privilegiado sitial que alguna vez ocupó y que hoy podemos recordar de vez en cuando, casi siempre en canales nacionales.

Por Ernesto Zelaya

Nov

Descubrir La Verdad

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Categorías: Cartel Fílmico

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Wai- Keung Lau - Justicia a Cualquier Precio (The Flock, 2007)

“Justicia a cualquier precio” del director Wai Keung Lau nos da una visión muy poco usual de las investigaciones de casos de agresión sexual. Obviamente estos temas son algo fuertes para aquellos que son sensibles, pero no deja atrás un código del lenguaje cinematográfico que finalmente da a entender la mente de un agresor y lo normal que lo puede considerar un investigador.

Este film nos pone en contacto a uno de los temas que más se escuchan por los noticieros en todo el mundo: la violación y agresión sexual. Se sufre todo tipo de acosos en el mundo y muchos de ellos no tienen respuesta alguna ni tampoco el paradero de la persona agresora ni agredida. Sin embargo, este film nos relata un caso en el cual hubo esperanzas en el rescate de una persona agredida y se pudieron descifrar muchos enigmas con la habilidad de pensar y actuar como un agresor. Hay veces que para vencer a alguien, hay que descubrir y estudiar a fondo a dicho ser para poder encontrar sus puntos- clave y romper el acertijo que muy pocas personas pueden.

La historia narra el caso de Harriet Wells, una adolescente que fue raptada y sin muchas pruebas ni testigos, el investigador Errol Babbage (Richard Gere) toma el caso como última estadía en su trabajo, pues lo despedirían luego de 18 días. Sin embargo, él no estará solo pues es acompañado por su sucesora en el puesto, Allison Laurie (Claire Danes).

Este dúo, el cual no es compatible, no sólo descubrirá un simple crimen sino una serie de casos en la cual hay un solo agresor y que ya había sido tratado por Babbage. Errol, que ya había pasado por muchos casos, consideraba a éste normal y se había vuelto un psicópata que se convertía (durante cierto tiempo) en un agresor de los agresores cuando estos realizaban algunas de sus pendencias.

El suspenso y el misterio aumentan cada minuto con el comportamiento inestable de Errol y con la intriga que sufre Allison mientras buscan con el más mínimo detalle a Harriet.

El lenguaje cinematográfico es notablemente un símbolo de misterio y algo de terror, pues toma lugares comunes en un terrible mundo donde la lujuria y la violencia se convierten en su bandera. Las imágenes son “quemadas”, pues se puede apreciar una gran intensidad de luz en cada una de los tiros de cámara, que dan la sensación de un alto dinamismo. Las rutinarias imágenes distorsionadas en las que aparece Harriet cuando es torturada o en algunos flashbacks en este estilo, registran esos momentos que no necesitan un largo y gran argumento.

“Una imagen vale más que mil palabras”, y en este film lo demuestran provocando al espectador estar al tanto de qué acciones ocurrieron en ese lugar hace ya un tiempo atrás. En cuanto al color se refiere, que comparte una buena dupla con las imágenes de gran iluminación, aciertan sin discusión, pues no es necesario colocar lugares oscuros para demostrar misterios. Es un código que muy pocas veces se ha usado y que por ello invita a seguir viendo la película sin perder ningún segundo de ella.

A lo que se refiere en los diálogos, puede que hayan muchos pero no significa que llegue a aburrir. Estos recorren un camino rápido a los hechos realizados anteriormente con el investigador Babbage y entender sus manías y su nueva rutina como agresor de agresores, convirtiéndose en un método para hallar a los verdaderos culpables.

La música, en el cual hay poca por no ser muy importante en este tipo de films. Sin embargo, los efectos de sonido que se presentan (ejemplo tal lo presenciamos en la escena donde buscan por primera vez a Custis) presentan cierta maleficencia y lujuria alrededor.